“La fotografía es una forma de sentir, de tocar, de amar. Lo que has captado en una fotografía queda plasmado para siempre… Y te recuerda las pequeñas cosas, mucho después de haberlo olvidado todo.”
Aaron Siskind
“Para mí, la fotografía es un arte de la observación. Se trata de encontrar algo interesante en un lugar ordinario… He descubierto que tiene poco que ver con las cosas que ves y todo que ver con la forma en que las ves.”
Elliott Erwitt
“Una lágrima contiene un océano. Un fotógrafo es consciente de los pequeños momentos de la vida de una persona que revelan las grandes verdades.”
Anónimo
Elegir un conjunto de fotos de fama mundial es una tarea realmente compleja de hacer, pero también algo muy divertido, porque estudiar las imágenes es, para mí, la mejor manera de aprender sobre la esencia de la fotografía. Para mí, la fotografía consiste en capturar historias significativas, y nada más.
Con respecto a esto, es completamente normal esperar que los lectores comenten la inclusión o exclusión de determinadas imágenes. Sin embargo, es importante aclarar que el propósito no es excluir o incluir, sino mencionar fotos mundialmente famosas que han sido reconocidas como icónicas por su importancia social y antropológica.
Inspírate en fotos mundialmente famosas
Por favor, siéntete libre de compartir en los comentarios (al final de este artículo) otras imágenes que podrían ser consideradas como históricamente importantes, así podemos obtener una experiencia más rica a través del desarrollo social de este artículo. Sin más preámbulos, hablemos de algunas fotos mundialmente famosas.
1. Sharbat Gula – Steve McCurry – 1984
Publicado por primera vez en 1985, el icónico retrato de una joven afgana, refugiada de la guerra, sigue evocando hasta hoy una profunda y compleja mezcla de sentimientos y emociones.
Esta imagen, para mí, es el mejor retrato de todos los retratos, de todos los tiempos. Esto se debe a muchas razones; pero la primordial es esa inquietante sensación de expresión indefinida, y por eso, supongo que algunos han afirmado que esta imagen es la Mona Lisa moderna.
El momento que captó Steve McCurry es tan intenso que sólo pude imaginar que se trata de una prueba de la transición entre emociones reconocibles. Sus hermosos ojos verdes, su piel, su pelo, sus frágiles ropas, la extraordinaria nitidez de la imagen, los colores complementarios, y su mirada desgarradora. Definitivamente, todo en esta foto habla.
Cuando vi esta imagen por primera vez, me imaginé a Steve McCurry corriendo por una calle cualquiera y captando esta imagen casi de forma improvisada. Más tarde, supe que no era así; pero no me importa: este retrato es sublime y perfecto, y me parece que habla de la universalidad del ser humano.
Hace un par de años, vi este video, y comprendí la importancia de tener habilidades sociales ágiles y bien intencionadas para capturar imágenes significativas.
Steve McCurry no estaba huyendo de las balas como un superhéroe como yo creía cuando vi esta imagen por primera vez (al menos con conciencia fotográfica de lo que podría haber implicado capturar una imagen como ésta rodeada de un contexto bélico), sino que estaba en una escuela, y se las arregló para que ella casi quisiera la foto.
En este sentido, las habilidades de McCurry fueron más que sorprendentes. Tenemos la idea equivocada de que los niños no entienden las cosas, y que se les puede engañar fácilmente. Pero los niños no mienten, y tienen mucho temperamento y carácter, y esto es completamente tangible en el icónico retrato de Sharbat Gula. Y después de 17 años, volvió a encontrarla.
Y para los más técnicos y curiosos, disparó esta imagen con la legendaria película Kodachrome, con una Nikon FM2 y un fiel Nikkor 105mm f/2.5.
2. Soldado cayendo – Robert Capa – 1936
Robert Capa adquirió una gran y vasta experiencia como fotógrafo de guerra durante la Guerra Civil Española, y con esta imagen, la Persona detrás de Robert Capa obtuvo un gran reconocimiento a escala mundial.
Esta fotografía fue tomada cerca de Córdoba durante los primeros meses de la guerra, y muestra a un soldado que acaba de recibir un disparo. La fotografía fue publicada por primera vez en el número 23 de la revista francesa Vu, y se imprimió y reimprimió una y otra vez y se convirtió en el icono de la guerra, y en una de las fotografías de guerra más famosas jamás tomadas. Dos años después de esa foto, la revista británica Picture Post declaró que este fotógrafo de 25 años era el mejor fotógrafo de guerra del mundo.
La imagen es realmente controvertida porque ha estado rodeada de muchas teorías que cuestionan su autenticidad. Se ha dicho que la imagen, de hecho, fue escenificada. Sin embargo, la imagen muestra una clara realidad sobre la dura vulnerabilidad que sufren las personas durante la guerra. Hay que destacar que por entonces las cámaras no hacían fotos en ráfaga como hoy en día, por lo que captar un momento exacto tan fugaz era muy difícil.
La imagen muestra el rifle cayendo mientras el cuerpo del soldado cae al suelo, pero también muestra la fragilidad y la inmediatez en la que la muerte le puede suceder a un ser humano.
3. Madre emigrante – Dorothea Lange – 1936
Madre emigrante de Nipomo es una fotografía tomada por Dorothea Lange en su estado natal, California. Esta foto es el icono emblemático de la dura realidad que sufrieron los estadounidenses durante la Gran Depresión de la década de 1930. Se trata de la imagen más conocida tomada durante el proyecto encargado por la Farm Security Administration con el fin de captar el impacto de la Gran Depresión en las familias estadounidenses.
Dorothea Lange declaró que encontró a esta mujer mientras trabajaba en el proyecto periodístico, que era madre de siete hijos en ese momento y que pasó hasta diez minutos fotografiándolos. La imagen es una captura pura de un momento real en el tiempo.
Esta imagen es el arquetipo que representa a las víctimas de esa lucha económica, y el retrato se centra, en un principio, en una sola persona. Dorothea Lange no mencionó el nombre de la mujer, pero décadas más tarde se reconoció que la mujer, de hecho, era Florence Owens Thompson, que vivía en aquella época en los territorios cherokee de Oklahoma.
El hecho de que la fotógrafa no dijera el nombre complica el trabajo de un fotoperiodista en el trabajo documental, pero personalmente creo que ella sabía de la importancia de la imagen como arquetipo, y el nombre no era necesario. Sin embargo, la misma Florence Owens Thompson reconoció años después que no se sentía cómoda con el hecho de que su imagen funcionara como la representación eterna de la pobreza. La imagen también forma parte del patrimonio del MOMA (Museo de Arte Moderno).
Si estudiamos la imagen, podemos reconocerla fácilmente como el centro de la misma. Lange tenía una fijación por las manos como símbolo del duro trabajo que muchas personas tenían que realizar para ganarse la vida, y esta foto no es una excepción para visualizarlo. Pero aquí las manos nos muestran un poco más: nos muestran una gran cantidad de preocupaciones. Y por último, pero no menos importante, los tres niños de la imagen. Hay dos niños, enmarcando a Florence uno al lado del otro, y de repente, podemos ver a un bebé que parece vulnerable a las duras realidades que les rodean.
Podemos decir que el punto de la imagen es la preocupación en sus ojos y manos, y el gran metamensaje de la imagen es el difícil contexto de criar a una gran familia bajo las duras dificultades de la Gran Depresión.
4. Hyeres – Henri Cartier-Bresson – 1932
Cartier-Bresson, mítico fundador de la prestigiosa agencia Magnum, fue reconocido por su técnica de no recortar sus imágenes y mostrarlas tal y como estaban encuadradas en la cámara. Cartier-Bresson hablaba mucho del “momento decisivo”, que en pocas palabras, es la capacidad de capturar un momento, justo antes de que ocurra. No recuerdo la fuente, pero escuché que una vez dijo (y esto quedó impreso en mi memoria) que si habías visto el momento, ya éste acababa de ocurrir, y que uno como fotógrafo debe ser capaz de ver el momento y apretar el disparador de la cámara antes de que ocurra.
Esta fotografía llamada Hyeres, de Cartier-Bresson, es casi toda una ilustración necesaria para comprender la composición. En esta foto podemos apreciar la regla de los tercios en todas partes, pero sobre todo en el ciclista, y tenemos líneas de dirección en todas partes, desde la acera hasta el evidente remolino en la barandilla de la escalera. Y por si fuera poco, la velocidad de obturación muy lenta muestra una gran sensación de movimiento y dinamismo del ciclista al salir de la escena.
La fotografía fue tomada en Hyeres en 1932 y ha sido reconocida como una de las fotografías icónicas de Henri Cartier-Bresson durante varias reposiciones. El momento decisivo aquí es obvio, y contrasta maravillosamente la libertad del ciclista con el alma rígida del balcón y la barandilla. La imagen parece incluso tomada por accidente, pero gracias a su teoría del momento decisivo, las posibilidades de hacer las cosas como él pretendía, estaban y están, de su lado. También podemos pensar que fue el producto de una larga espera, lo cual es muy válido. La fotografía es paciencia, y nunca debemos olvidarlo.
5. Steve Jobs – Albert Watson – 2011
Icónico, sencillo, intrigante, como su legado. Poco después de fallecer, el retrato de Steve Jobs se convirtió en la imagen de portada en la web de apple.com, y creo que es uno de los retratos más importantes de nuestra época. La imagen fue tomada por Albert Watson en una cámara de gran formato, de 4×5 pulgadas, un giro irónico para una persona tan innovadora como era Jobs.
No importa realmente qué tipo de tecnicismos haya definido Watson para este retrato, la imagen trata de una persona, y nada más. La pose de su mano sugiere un pensamiento constante, y la sutil sonrisa que se dibuja en su rostro transmite gran energía y confianza. La mirada penetra en el espectador y la elección del blanco y negro fue perfecta para evitar cualquier distracción.
Pocos son los que no han visto esta foto de Steve Jobs; y la forma en que se difundió por todo el mundo, la convirtió en un retrato icónico de nuestro tiempo.
6. La hora del almuerzo en un rascacielos – Charles C. Ebbets – 1932
Esta imagen muestra la tranquilidad de once de los muchos obreros que trabajaron durante la construcción del edificio 30 Rockefeller Plaza en Manhattan. No sólo están relajados sobre la estructura del rascacielos, sino que también están almorzando, lo que da a la imagen un carácter muy curioso.
La imagen es muy icónica y fue tomada por Charles C. Ebbets en 1932 y se ha hablado mucho de si la escena ocurrió realmente o si sólo fue una maniobra publicitaria por algún motivo, pero no disminuye el hecho de que los hombres eran verdaderos trabajadores del hierro en el piso 69 del edificio en las últimas etapas de su construcción, y ha habido numerosas reclamaciones sobre las identidades de los hombres de la imagen.
La imagen ha sido un gran icono de la cultura del trabajo duro del ser humano, y también un gran ejemplo de lo mucho que ha evolucionado en términos de Salud y Seguridad Laboral también. Esto es algo que no se volverá a ver, espero.
7. Día V-J en Times Square – Alfred Eisenstaedt – 1945
Es justo que la imagen relacionada con el final de la Segunda Guerra Mundial haya salido de las manos y ojos de un fotógrafo judío. Aquí podemos apreciar el gran momento en que dos de los mayores símbolos de la guerra se encuentran en un profundo y apasionado beso.
Los dos símbolos son ciertamente humanos, pero son los embajadores anónimos, tanto de todos los marineros como de todas las enfermeras que trabajaron duro durante la guerra. Ambas instituciones fueron pilares fundamentales que ayudaron a Estados Unidos a mantener su fortaleza durante los horrores de la guerra. La celebración se debe al fin de un periodo tan violento y sangriento de nuestra historia moderna, la imagen fue tomada en Times Square, Nueva York.
Hay otra imagen desde un ángulo ligeramente diferente (casi como lo que ocurrió con las dos fotos de Lesha Evans durante las protestas de Baton Rouge en julio de este año) pero la icónica, supongo que por su punto de vista y composición, es la que tomó Alfred Eisenstaedt, pero aún así la otra fotografía de esta escena, menos popular, de Victor Jorgensen es genial, porque sigue captando la esencia de esta gran cumbre de la Guerra.
Y aunque la imagen no da una clara distinción entre las dos caras en el marco, enarbola el carácter de estos personajes como símbolos.
8. El cumpleaños de Einstein – Arthur Sasse – 1951
Esta foto, a menudo, es llamada «La lengua de Einstein», y se convirtió en emblemática debido a su tono humorístico. El humor en sí mismo requiere inteligencia, y capturar el humor en la fotografía (especialmente cuando se hace con franqueza) es una de las cosas más difíciles de hacer en esta disciplina. La foto muestra un perfil diferente de Albert Einstein, y su carácter juguetón y alocado es lo que hace que la imagen sea tan genial.
El momento ocurrió en la celebración del 72º cumpleaños de Albert Einstein, y muchos fotógrafos estaban allí, pero sólo Sasse captó la que se convirtió en icónica. Podemos deleitarnos con un Einstein humorístico, en lugar del físico ganador del premio Nobel que desarrolló la teoría de la relatividad general, y gracias a esto, tenemos un lado más accesible de Albert Einstein.
Un dato realmente importante de la imagen es que a Einstein le gustó tanto que pidió a la UPI (United Press International) que le facilitara nueve copias de la imagen recortada para su uso personal. Una de estas fotografías recayó en Howard K. Smith, un amigo de Einstein. La imagen, como era previsible, tenía un pequeño texto en la parte posterior que citaba esto: «Este gesto te gustará porque está dirigido a toda la humanidad. Un civil puede permitirse hacer lo que ningún diplomático se atrevería».
9. Guerrillero Heroico – Alberto Korda – 1960
Así como el V – Día J se sintió correctamente capturado por un judío, considero que este retrato es muy apropiado para ser capturado por un cubano. Y es que aunque Ernesto «Che» Guevara era argentino, consideraba a Fidel Castro como un amigo cercano; y por eso, hace que se corresponda correctamente con el hecho de que la imagen fue tomada por un cubano. Alberto Díaz Gutiérrez, más conocido como Alberto Korda, fue el fotógrafo oficial de Fidel Castro durante 9 años y viajó con él a muchos países.
Ernesto «Che» Guevara fue fotografiado de forma muy notable, como la que le hizo René Burri, pero la que inmortaliza el carácter heroico del Che, es sin duda la de Korda. Esta foto ha sido ampliamente difundida, desde banderas hasta camisetas y pegatinas, y la historia que hay detrás de la imagen es la siguiente: El 4 de marzo de 1960, el barco de carga francés La Coubre, transportaba armas desde Bélgica a Cuba para equipar al régimen de Castro, el barco explotó y Castro culpó a los Estados Unidos.
Más de 75 personas murieron en el suceso. Al día siguiente se celebró un solemne funeral en La Habana y mientras los oradores de la ceremonia dictaban unas palabras, Alberto Korda tomó dos imágenes de Guevara. Él no se dio cuenta de la toma de fotos, y con el tiempo, la imagen se convirtió no sólo en icónica, sino en simbólica.
Alberto Korda nunca estuvo totalmente de acuerdo con que la imagen se utilizara comercialmente de la forma en que lo hizo, ya que era una completa contradicción con las creencias del Che, por las que murió.
10. El general Nguyen Ngoc Loan ejecutando a un prisionero del Viet Cong – Eddie Adams – 1968
Se dice que ningún otro grupo de fotoperiodistas tuvo la libertad de retratar las atrocidades de la guerra, solo aquellos que recorrieron las sangrientas fronteras de la guerra de Vietnam. Aquí estamos ante una de las imágenes más crueles jamás captadas por un fotógrafo. La propia imagen acreditó a Eddie Adams el Premio Pulitzer en 1969.
Eddie Adams explica lo sucedido en este breve vídeo, y sinceramente parece una reacción verdadera y honesta de un fotógrafo comprometido: vio al oficial levantando su arma, instintivamente levantó su cámara. La imagen se convirtió en un icono casi de inmediato y sirve como evidencia cruda de los horrores de la guerra.
Esta imagen es, sin duda, la más icónica de la guerra de Vietnam, debido a su proximidad con el breve momento exacto en que un hombre quita la vida a otro. El oficial uniformado de Vietnam del Sur dispara a un prisionero en la cabeza, y la brutalidad del momento quedó inmortalizada gracias a la fotografía. Por eso es tan importante el fotoperiodismo, para que podamos recordar cosas que no deberían repetirse.
- Adams, Eddie (Autor)
11. El Mahatma – Por Margaret Bourke – 1946
En primer lugar, hay que entender la importancia de la rueca, porque apenas miras la foto te haces la pregunta: «¿por qué es icónica?». La rueca era el símbolo más fuerte de la lucha y el deseo de independencia de la India del Reino Unido.
Gandhi estaba cerca de una de estas y la composición parecía apropiada, pero los secretarios de Gandhi detuvieron a Margaret y le dijeron que si iba a hacer la imagen, con esa composición precisa, tenía que aprender a usar una rueca ella misma. Hoy sabemos que si Margaret Bourke no hubiera tenido las habilidades sociales para aceptar las tradiciones y el respeto a las exigencias culturales, la imagen simplemente no se habría realizado.
Ella fue la primera mujer fotógrafa de la revista LIFE que estuvo en la India en 1946, cubriendo el proceso de independencia del país.
12. El hombre del tanque – Jeff Widener – 1989
Esta foto corresponde a un anónimo manifestante de la plaza de Tiananmen. El trasfondo de la foto es el siguiente: cuando el convoy militar chino entró en Pekín, el individuo del ejército de un solo hombre se opuso a la larga columna de tanques que irrumpía en la zona. La foto fue captada desde bastante lejos, desde una habitación de hotel, por Jeff Widener, y podemos verle hablando del contexto de la imagen aquí:
La imagen muestra el gran poder que puede tener la protesta.
- Burgan, Michael (Autor)
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